SOMOS LO QUE HAY (2010), Jorge Michel Grau

Messico, 2010

Regia: Jorge Michel Grau

Cast: Francisco Barreiro, Carmen Beato, Alan Chàvez, Paulina Gaitan

Sceneggiatura: Jorge Michel Grau

Trama (im)modesta – Un uomo di mezza età muore in un centro commerciale. Era il padre di Alfredo (Barreiro), Juliàn (Chàvez) e Sabina (Gaintan) e il marito di Patricia (Beato). Ora che il padre è morto, tocca ad Alfredo prendere il posto del capofamiglia e occuparsi di tutte le tradizioni della casa. Sì, perché ogni casa e ogni famiglia ha i suoi usi, le sue tradizioni, i suoi riti. E c’è bisogno di qualcuno per portarli a termine, qualcuno che sappia prendere le redini e dominare ogni situazione. Se poi vivi in una famiglia di cannibali, le tradizioni sono più dure da seguire di quanto si pensi.

La mia (im)modesta opinione – Raffinato, crudo, elegante, scioccante, di asterea freddezza, di inconfessabile brutalità. Tutto questo è il cinema messicano contemporaneo, pieno di registi indipendenti che guardano all’Europa e alla sua produzione autoriale in equilibrio fra finezza e scanzonatezza. E questo Somos lo que hay non si distacca troppo (per fortuna!) da questo filone. Un dramma borghese condito di feroce follia, più che un horror (etichetta sotto la quale il film è venduto). La pellicola di Grau non vuole farci spaventare, ma vuole presentarci il dramma di una famiglia. Si dirà: «Allora dove sta l’originalità?» Ma nella famiglia, ovviamente. Se Iñárritu, con il suo Biutiful, sommerge il malcapitato spettatore sotto una valanga di lacrimevole pietismo, Grau  tratteggia il dramma di una famiglia indigente ma lo fa con una vena di cupezza che trasforma il trito e tristissimo quadretto familiare in un’inquietante galleria di personaggi pazzi e dannati.

La famiglia svolge dei cruenti “rituali” che consistono nel rapimento di una vittima prestabilita, nella sua uccisione, nella dissezione e, infine, nella cena a base di carne umana. Non temete: il sangue è singolarmente poco per una pellicola del genere. La vera violenza è quella psicologica il cui impatto però, a causa della regia compunta e lucidissima di Grau, è infinitamente attutito. Vivo e tangibile è il dramma di Alfredo, assassino brutale dal cuore tenero, omosessuale represso e cacciatore spietato, paffuto e tormentato ragazzo ma anche killer freddissimo e calcolatore. Stupendamente interpretato da un bravissimo Francisco Barreiro che regala al suo personaggio uno stupendo sguardo da animale braccato, sempre sospeso fra la lacrima e l’omicidio.

Il resto della famiglia non è da meno. Si va dal fratello minore Juliàn, rissoso e manesco, a Sabina, la piccola della casa, autentica diabolique in erba, (fintamente) innocente fino alla morbosità, perpetuamente biancovestita che freddamente dirige i destini della casa: spinge Alfredo a eleggersi capofamiglia, risponde insolente alla madre-padrona di Carmen Beato, zittisce con un solo cenno Juliàn. E si può dire che se Alfredo è il personaggio più profondo e complesso della storia, Sabina è il più affascinante in quel suo miscuglio di innocenza e manipolazione. Quarto e ultimo personaggio del dramma è la madre Patricia, casalinga invecchiata e imbruttita, madre autoritaria e odiosa che sembra un incrocio fra Pina Fantozzi e Margaret White, la tremenda madre della Carrie di Stephen King.

Altro elemento degno di nota è la relativa mancanza di gore all’interno del film. La regia di Grau glissa con grazia sulla violenza più brutale perché il suo obiettivo non è quello di far inorridire o spaventare, ma quello di scandagliare un mondo diverso, un heart of darkness privato dove il mondo è chiuso fuori, un vuoto d’aria sociale che ha le sue regole, le sue leggi. Leggi brutali, sì, feroci, senza dubbio, bestiali, assolutamente, ma non per questo meno reali, vere e tangibili. E su questo vince il film: senza inutili concettosità, la trama si fa essenziale e la storia, seppur con qualche oscurità, procede spedita e svelta.

Ma oltre a una regia elegante senza esser fredda, a una sceneggiatura essenziale ma non scarna e a delle interpretazioni tecnicamente perfette e calibrate al millimetro, il film gode di una colonna sonora sublime, tutta costruita intorno al suono languido e cupo del violoncello e a quello disturbante e distorto della musica techno che al violoncello si mescola promiscuamente. A tutto si aggiunge un’unica canzone senza nome, cantata da una donna sulla metropolitana in una delle sequenze più belle di tutto il film, che nel suo essere dolorosa e insieme potente trasforma un film originale ma forse un po’ troppo abbottonato in una sobria e pessimistica riflessione sull’individuo e la società.

Se ti è piaciuto guarda anche… - Pochi film eccellono nella rappresentazione delle famiglie malate e criminali. Se il greco Kynodontas (2009) di Giorgos Lanthimos la butta sul miscuglio di raffinato e allucinatorio, la gustosa e godereccia americanata Wrong Turn (2003) di Rob Schmidt apporta qualche originalità al genere della cannibal family trasformando i mostri cannibali in cacciatori deformi e astuti. Altre perle del genere sono il recentissimo The Woman (2011) di Lucky McKee, geniale e violentissimo, e la perla vintage Spider Baby (1968) di Jack Hill, vero cult classic del genere cannibale.

Scena cult – La scena della metropolitana, dove sulle note di una canzone vengono esplorati, con pochissime e intensissime inquadrature, tutti i caratteri dei quattro personaggi principali. Gemma di sintesi ed espressività.

Canzone cult – Ma ovviamente la canzone della scena sopradetta. Una canzone cantata a cappella, tutta affidata alla potenza della voce, dura e scabra come un osso, dal sapore arcaico e mistico che canta il dolore e la sofferenza della vita.